unidad 2 apreciacion artistica

UNIDAD II "UNA RETROSPECTIVA DEL ARTE"

 

2.1 UNA MIRADA AL ARTE ANTIGUO

2.1.1 PALEOLITICO

2.1.2 GRECIA Y ROMA Historia de Roma

2.2 GRANDES INFLUENCIAS ARTISTICAS

2.2.1 ARTE EN MESOAMERICA

2.2.2 ARTE DEL RENACIMIENTO

2.2.3 ARTE DEL ORIENTE

2.2.4 EL BARROCO COMO INFLUENCIA EN LATINOAMERICA

2.3 ABSTRACCION DEL SIGLO XX DE CARA AL SIGLO XXI

2.3.1 EL NACIONALISMO

2.3.2 LOS "ISMOS" ANTECEDENTES Y SUS CORRIENTES

2.3.3 LA GLOBALIZACION EN EL ARTE

2.3.4 EL ARTE ASISTIDO POR LA TECNOLOGIA

 

 

 

CONCEPTOS:

 

 

El punto

Elemento primario de la expresión plástica. No tiene dimensiones, solo tiene posición.

El punto es consecuencia del encuentro del instrumento con la superficie material, la base o el soporte.

El resultado visual depende del tipo de instrumento utilizado para realizarlo, del soporte y del material o técnica empleados.

Al no tener dimensiones, implica la ocupación o concreción de un espacio mínimo. Pero puede aumentar su tamaño tanto como se quiera.

Puede expresar: Precisión, intersección, interrupción. Puede configurar formas (puntillismo), texturas, ornamentaciones.

Georges Seurat - ''La Parade''(detalle), 1889.

La línea

Es el elemento resultante del movimiento del punto. Tiene dirección, cuando esta es invariable tenemos una línea recta.
Reemplazamos la palabra "movimiento" por la palabra "tensión", que es la fuerza interior del elemento. 

Hay líneas simples y complejas; rectas, curvas, quebradas, onduladas. 

Según su posición: vertical, horizontal, inclinada. 

Según el rastro: fina, gruesa, difusa, irregular, precisa, etc.

Puede expresar suavidad, dulzura, agilidad rigidez, reposo, brusquedad, fragilidad, fuerza, inseguridad, imprecisión, indecisión,  temblor, movimiento, dirección, etc.

Su función puede ser objetual, de contorno, de sombreado o formando texturas. 

Paul Klee - “Juego en el agua”, 1935

El plano o superficie

Magnitud continua que tiene dos dimensiones, largo y ancho, pero no espesor o profundidad.

Las superficies pueden ser verticales, horizontales, inclinadas, cóncavas, convexas, torcida, distorsionada, curvada, angular, etc.

El plano en el espacio gráfico se presenta en áreas con formas determinadas que percibimos por contraste de figura y fondo o por un contorno lineal. 
Las variaciones de luminosidad de una superficie pueden producir efectos de luz y sombra.

El Lissitzky - “Proun 19D”, 1922

 

Volumen

1.- Medida del espacio ocupado por un cuerpo.

El volumen de los cuerpos es el resultado de sus tres dimensiones: ancho, alto y profundidad. El volumen resulta de la relación entre peso y densidad.

2.- En escultura y pintura, la manera de tratar la tridimensionalidad de las masas.

En escultura, se le llama volumen a una estructura formal tridimensional, así como también volumen a las partes componentes del todo escultórico, cuando éstas tiene el carácter de masas.

En pintura, el volumen es la sugerencia de peso y masa lograda por medios estrictamente pictóricos que reflejan características tridimensionales.

 

 

 

 

Perspectiva                 

La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.

Perspectiva del Campidoglio, en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza; dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad.

Es también la ilusión visual que, percibida por el observador, ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias.

Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio.

PERSPECTIVA     Uno de los aspectos principales de la composición pictórica es la distribución de los elementos en el espacio, para su visión comprensiva para el espectador. El espacio es el marco en el que el pintor sitúa los personajes, los objetos del tema que desarrolla, y para esto lo estructura de formas diversas. Insistamos en que lo que nosotros vemos no es la transposición de la realidad sino una nueva realidad: la plástica.    Equilibrio    Fuerzas opuestas en unidad. Semejanza en el énfasis (V.) de los elementos. Distribución de partes por la cual el todo ha llegado a una situación de reposo. No obstante, la idea de equilibrio implica fuerza y dirección, por lo tanto también movimiento (y.). Según la física, el equilibrio es el estado de un cuerpo en el cual las fuerzas que operan en él, se compensan mutuamente. Esta noción recibe cabida también en el arte mediante la percepción. Así como en el campo de la física se habla de fuerzas, ejes, puntos de equilibrio, fulcro, centro de gravedad, etc., así en el arte los distintos factores psicológicos determinantes del equilibrio reciben similar denominación y concepto. Sin embargo, ello no' implica que rijan las mismas leyes: la imagen fotográfica de una figura humana en acción, puede aparecer falta de equilibrio no obstante hallarse en la realidad en una posición estable; por el contrario, un objeto escultórico puede necesitar de un artificio para sostenerse en equilibrio físico y sin embargo aparecer visualmente estable. Es obvio entonces que los valores perceptuales no guardan necesaria correspondencia con los factores propios al equilibrio físico. El equilibrio perceptual es un factor formal de primera magnitud y parece originarse en la distribución compensada de las fuerzas fisiológicas del área cortica' correspondiente. . En la pintura, el equilibrio está referido a los bordes o marco del cuadro. De acuerdo a éste se crea un campo visual limitado, sujeto a las reglas del llamado mapa estructural (V.). En la escultura o en cualquier trabajo de arte carente de marco, el eje o centro está referido a la propia obra y sus relaciones con el campo ambiental que la contiene. En una composición equilibrada se manifiesta una íntima coherencia entre el todo y las partes, tanto que parece imposible alterar, aunque sea ligeramente, la ubicación de uno de sus componentes. El equilibrio se relaciona principalmente con el peso compositivo (V.), la dirección (y.) y la anisotropía (V.) y con las leyes y postülados de la armonía (V.) estética. Dice Arnheim al respecto: "una composición desequilibrada luce arbitraria y transitoria y Por consiguiente es inválida". "Los elementos exhiben una tendencia a desplazarse o a alterar su forma de modo que se establezca un orden más adecuado a la estructura total... En tales condiciones, el enunciado artístico se vuelve incomprensible." El equilibrio puede ser axial, referido a los ejes vertical-horizontal, presentes o implícitos -(V.) reflexión; radial, es decir, alrededor de un punto por rotación (V.) Simetría; oculto, donde no se equilibra con respecto a ejes ni puntos explícitos, sino controlando atracciones con un sentido dinámico que se relaciona con el movimiento (y.) y la tensión (V.) (figs. 16 a, b, c y 17).

 

Simetría

El término simetría en el sentido corriente tiene dos acepciones: lo simétrico, que significa bien proporcionado o equilibrado, y simetría, que significa concordancia entre partes que concurren a integrar un todo. La imagen de la balanza presenta una vinculación natural con el segundo sentido del término, lo que se conoce como 'simetría bilateral', o lo que es, formas iguales a igual distancia a ambos lados de un eje, simetría o relación evidente en los animales superiores y el hombre. Las leyes matemáticas que rigen la naturaleza son la causa de la simetría en ellas y la realización intuitiva de dicha relación en la mente del artista tiene origen en el arte, tal refiere Platón con respecto a la simetría. La bilateralidad constituye una reflexión formal. Otros tipos de relaciones en el mundo de la naturaleza orgánica e inorgánica, tales las que se observan en los cristales, las espiras de los caracoles, etc., fueron ampliando las posibilidades de relaciones simétricas, alcanzando éstas un número considerable de variables, las que se organizaron acorde a una relación con permanente ley de regularidad.

 

 

 

 

Contraste

 

En una obra de arte mediante la combinación de elementos para crear interés. El contraste nos ayuda a diferenciar una forma de otra, es el elemento de diseño más importante partiendo de que sin el no se distinguiria una cosa de otra. El contraste puede darse por color, forma, textura, tamaño etc. En toda obra de arte existe un fondo y una figura, por lo que el contraste es el principal elemento de diseño.

 

 

 

^{CULTURA GRECORROMANA}

 

Pintura
En la pintura romana va a influir decisivamente el arte griego, ya que ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una de las razones por las que apenas se conservan pinturas murales griegas.

Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y palacios. La condición social del pintor era la de un artesano, aunque los que pintaban sobre tabla tenían mayor prestigio.
La pintura mural se realizaba con la técnica del fresco, aunque también se discute que en algunas ocasiones se utilizaran técnicas mixtas. Para la pintura sobre tabla se utilizaban las técnicas al temple y a la encaústica. La gama de colores era amplia, ya que a la del mundo griego y egipcio se les suman algunos colores más. Destacan el negro, el blanco, el rojo y el amarillo, aunque a veces también se utilizaron verdes, azules y violetas. Se aplicaban mezclados con agua y a veces con cola.
La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo XIX y fueron establecido en base a las pinturas conservadas en Pompeya.

- Las pinturas se hallaban en las paredes de las casas de los romanos más adinerados, generalmente se trata de “pintura al fresco”, aunque también está documentada la “pintura sobre tabla”.
- La pintura romana tuvo como precedentes los frescos de las cámaras funerarias etruscas y la pintura griega, alcanzando un gran desarrollo.
- Sin embargo, los restos conservados son mínimos y casi se reducen a los encontrados en las excavaciones de Pompeya y Herculano, donde los historiadores han establecido cuatro estilos.

Septimio Severo y su esposa Julia Domna

 

 

Escultura

Entre las bellas artes destaco la escultura con su representación de figuras humanas idealizados.Estas no correspondían a personas verdaderas, sino que eran modelos que intentaban reflejar la belleza ,pureza y perfección del cuerpo.Por eso se prefería representar al hombre desnudo.La escultura de la imagen por ejemplo es una copia roma de la escultura griega Discobolo de Mirón  En ella se puede reflejar el pensamiento de los griegos quienes creían que un atleta que demostraba gran destreza era tocado por los dioses y su nombre seria inmortal.

 

 

Arquitectura

 

Las obras arquitectónicas màs perfectas fueron los templos, puesto que eran la morada de los dioses.El partenòn, consagrado a la diosa Atenea,fue construido entre los años 447 y 432 a.C. en la acrópolis de Atenas, con mármol de las cercanas canteras del monte pentèlico. Es considerado como la máxima expresión del equilibrio y la simetría en la arquitectura. La sencillez y perfección de sus lìneas rectas se combinan armoniosamente con las formas cilíndricas de las columnas.